潮评丨冯远征谈“晋江式演技”，呼唤表演“真实感”的回归

敢说的冯远征，又上热搜了。近日，全国政协委员、北京人民艺术剧院院长冯远征谈到近期爆火出圈的“晋江式演技”，直言这不是什么新鲜事物，自己年轻时候就要求这么演戏，只是近些年丢失了，“被网络被一些流量、被一些僵尸式的表演丢失了，被无表情的表演丢失了。“这一发言戳中快餐式创作的痛点，直接将矛头指向当下演艺圈的浮躁生态，引发广泛关注。

冯远征口中的“僵尸式表演”，恰是当下影视生态的真实写照。资本追逐数据，演员沦为流量符号，表演不再是一门精湛的艺术，反而被简化为“颜值即正义”的肤浅认知。镜头前，演员无需精准的眼神和表现塑造角色，只需面无表情地念台词，大不了还能依赖后期配音；荧幕外，“舔屏式追星”让观众沉迷于表象，忽视表演的核心和灵魂。这种异化引发冯远征式发问：为什么动画角色比真人演员更打动人？

所谓的“晋江式演技”，要求演员把小说中错综复杂的情感和丰富多样的人物身份，转化为生动鲜活、具体可感的表演。冯远征毫不避讳地指出，这原本就是他们那一代演员的基本功——从眼神、走位，以及微表情管理，皆需精准呈现角色内核。近年来，“晋江式演技”因稀缺而受到热捧，恰恰折射出表演艺术的某种断裂：过度依赖技术外衣，而忽略了真实情感与人性化的表达。

实际上，“晋江式演技”的走红，反映了观众审美的进步。年轻一代不再满足于浮夸的“面瘫式”表演，转而追求细腻的情感表达与角色深度，这背后是观众对“真实感”的渴求。动画电影《哪吒之魔童闹海》以想象力与情感深度征服市场，而真人电影却因表演的苍白相形见绌，这种现象其实是观众用脚投票的结果：他们渴望看到角色的“生命力”，而非流量明星的“光环”。

作为行业内表演的标杆，北京人艺推行“三板斧”策略：年度考核、剧本朗读与学员培训。这一系列措施打破“跑十年龙套才能演主角”的旧规，让新人有机会直面《日出》《蔡文姬》等经典剧目。排练厅里，年轻演员从打热水开始培养对舞台的感情；剧本围读中，半文言台词被反复打磨至“入耳入心”。这些细节背后，是“戏比天大”的敬畏心，更是对“演员即匠人”身份的坚守。

冯远征的犀利发言，与其说是批评，不如说是一剂清醒针。他提醒行业：表演的本质从未改变，变的只是我们在流量与资本中迷失的姿态。当“晋江式演技”成为热点，当《哪吒之魔童闹海》的票房启示被广泛讨论，或许正是行业拨乱反正的起点。当然，这场回归注定艰难，它需要演员摒弃捷径，编剧耐得住寂寞，观众保持足够清醒，更需要整个生态重建对艺术的敬畏。身为表演者，“永远不要爱艺术中的自己，要爱自己心中的艺术”，这话或许才是表演艺术的真谛所在。